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Programa de Pós-Graduação em Artes - PPGARTES/ICA

URI Permanente desta comunidadehttps://repositorio.ufpa.br/handle/2011/6805

O Programa de Pós-Graduação em Artes (PPGARTES) é um programa do Instituto de Ciências da Arte (ICA) da Universidade Federal do Pará (UFPA) e em nível de Mestrado acadêmico teve a sua primeira turma constituída no ano de 2009 e o primeiro Processo Seletivo para o Doutorado acadêmico se deu no primeiro semestre de 2016.

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Acesso aberto (Open Access)
O brega cibermórfico de Wanderley Andrade: pontos de inflexão no mercado musical contemporâneo
(Universidade Federal do Pará, 2023-01-30) SAGICA, Frank de Lima.; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
A presente tese propõe investigar como se desenvolveram a produção, a circulação e o consumo da música durante e após o enfrentamento da pandemia ocasionada pelo vírus SARS-CoV-2, tendo como recorte etnográfico o cantor Wanderley Andrade, abordando com olhar interpretativo a sua produção, sua adaptabilidade e suas articulações nas principais plataformas digitais, que foram ferramentas rentáveis para o artista se manter no período de isolamento social imposto como forma de contenção do contágio e proliferação da COVID-19. Proponho focalizar o ponto de inflexão que demarcou as mudanças significativas na acepção mercadológica e posicional nas paragens digitais nos anos de 2020/2021, focalizando o surgimento e a aplicação de editais emergenciais e festivais culturais criados pelo Governo do Estado do Pará, que foram: Lei Aldir Blanc, Te Aquieta em Casa e Minha Banda na Cultura. Para isso, foi realizada entrevista com o artista da música, compositor, pesquisador, produtor musical e diretor do departamento de música da Secretaria de Estado de Cultura do Pará (SECULT) – Allan Carvalho. Todas essas medidas foram essenciais para a sobrevivência de muitos profissionais, contemplando não somente artistas, mas também outros profissionais da música, como roadies, iluminadores, técnicos de som, DJs entre outros. Mediante às transformações promovidas pelo avanço tecnológico, esta tese propôs um novo modelo conceitual-analítico, definido por mim como neopersona cibermórfica, utilizado para um melhor enquadramento teórico sobre o fenômeno do novo perfil identitário que transita nos ciberespaços, que tem a individualidade afetual, o nomadismo virtual e a metamorfose identitária, particularidades estas que dão sustentáculo para a construção de uma mentalidade que se metamorfoseia constantemente, em consequência do avanço tecnológico em constante fluxo, padrão representativo das sociedades contemporâneas. Pode-se inferir que o brega, além de sua concepção fundamentada como um ritmo, também compreende uma série de conflitos, de relações sociais e de poder; de oposições frente às classes dominantes; de adaptações que foram feitas em contrapartida às novas tendências musicais surgidas ao longo da história. Nesse sentido, Wanderley Andrade é o estereótipo perfeito dessa mutação cibermórfica, evidenciada ao longo de toda a sua jornada como um artista brega, seja no ecletismo do seu repertório musical, na sua indumentária peculiar ou na fusão da estética local com a global. Esta proposição intelectual também tem a intenção de lançar um material que possa servir de base bibliográfica para futuras pesquisas que venham a se relacionar com aspectos voltados a uma suposta pós-modernidade cibernética. Foi utilizada como ferramenta metodológica a etnografia virtual, dado a dificuldade na recolha de dados de modo presencial, por consequência das medidas de isolamento do período pandêmico. O uso de novas tecnologias e mídias, as adaptabilidades do mercado da música, bem como a análise das particularidades cotidianas de uma sociedade em transição são temas caros a este estudo, tendo a etnomusicologia como chave elementar para elucidar os entremeios nos quais sojornam confluências e disrupturas, entre os quais: mercado musical, glocalização, tribalismo, tradição e tecnologia, temas estes que podem, consequentemente, trazer contribuições não apenas para o campo teórico como também para o âmbito cultural.
Acesso aberto (Open Access)
Uma cena musical neotribal nas noites belenenses: traços multifacetados do mercado artístico
(Universidade Federal do Pará, 2018-06-27) SAGICA, Frank de Lima; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
A presente pesquisa etnográfica propõe um novo conceito – cena musical neotribal, utilizado como sistema de análise para tratar uma cena musical em Belém/PA até então não investigada no meio acadêmico. Esta cena está constituída por uma superposição de vários gêneros musicais que abarca múltiplos espaços de interação e experiência coletiva aonde os grupos experimentam diferentes tipos e formas de sociabilidade e peculiaridades intersubjetivas em um determinado contexto cultural. Para a compreensão da formação e trajeto desta cena, o recorte etnográfico focalizou três artistas paraenses - Roosevelt Bala, vocalista da banda Zona Rural; Markinho Duran, artista solo; e Bruno Rodriguez, vocalista da banda Reggaetown. Sendo o rock, o pop e o reggae seus respectivos gêneros musicais. A investigação aborda o cruzamento de uma prática teorizada sob o viés mercadológico com a produção no campo musical. Três foram os locais selecionados para a pesquisa de campo: Mormaço Bar e Arte, Old School Rock Bar e Templários Bar e Restaurante. Investigar como se articula o fazer artístico musical com as dinâmicas de mercado noturno na capital paraense, sob uma perspectiva etnomusicológica, foi o objetivo principal desta pesquisa. O estudo tangencia pontos de confluência entre os processos de produção, circulação e consumo de música, orientados pela análise dos aspectos da vida social e análise cultural da música, em que foi determinado alcançar, ao término deste processo, uma forma de valorização e reconhecimento da qualidade da produção musical local e da diversidade cultural de nosso Estado e, consequentemente, trazer contribuições não somente para o âmbito da etnomusicologia, como também para o meio artístico.
Acesso aberto (Open Access)
Como Estrela és David: um Miguel da cor de breu
(Universidade Federal do Pará, 2020-07-10) PUGET, Dayse Maria Pamplona; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
David Miguel dos Santos, compositor paraense nascido no bairro do Jurunas, em Belém do Pará, em 29 de dezembro de 1926, e falecido nesta mesma cidade, em 19 de fevereiro de 2000, é o objeto desta pesquisa. Este compositor foi um cronista do cotidiano e um cantador da periferia de Belém. Investigar os fatores que incidem no seu processo criativo a partir de uma perspectiva etnomusicológica foi o objetivo geral desta pesquisa. Os objetivos específicos foram: fornecer informações contextualizadas sobre este compositor, prover um catálogo comentado das suas obras, descrever o seu processo criativo e analisar os sambasenredo deste compositor. Para alcançar os objetivos propostos realizei levantamento bibliográfico, discográfico, imagético e audiovisual em diversos acervos; lancei mão de pressupostos da História Oral (entrevistas semiestruturadas, depoimentos e narrativas), interpretação e análises dos dados coletados e registrados, entre as quais: históricas, contextuais, cognitivas, estruturais, textuais e musicais, tendo como suporte teórico autores da Etnomusicologia e da Antropologia, entre outros, Béhague (1992), Blacking (2000), Merriam (1964), Nettl (2005) e Durand (2012). David Miguel, pela importância da sua obra, está inserido no lugar que lhe é de direito: a Música Popular Paraense.
Acesso aberto (Open Access)
Concerto de câmara para clarineta em si bemol e orquestra de Vicente Alexim: uma abordagem interpretativa
(Universidade Federal do Pará, 2015-06-01) LOPES, Thiago de Araújo; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
Vicente Alexim é clarinetista, compositor e arranjador brasileiro que, apesar de bastante jovem, vem se destacando no panorama artístico musical nacional e do exterior. Como compositor é autor de obras para clarineta, piano, soprano, orquestra de câmara e sinfônica. Seu “Concerto de Câmara para Clarineta em Si Bemol e Orquestra”, composto em 2008, é o objeto de estudo desta pesquisa. Do ponto de vista técnico, essa obra, de grande virtuosidade, apresenta diversos níveis de dificuldades para o solista - frullati, glissandi, multifônicos, escrita orquestral densa e uma tessitura composicional comum ao repertório contemporâneo. Observa-se o cuidado do compositor na indicação de mudanças de caráter e na organização da execução de técnicas estendidas tanto para o solista quanto para os instrumentos da orquestra. Fornecer uma concepção interpretativa para o referido concerto, considerando o enfoque de Robert Morris da Teoria dos Contornos e a análise estrutural da obra foi o objetivo principal desta proposta. Levantamento de fontes bibliográficas sobre o compositor, a obra e temas afins, de informações adicionais em sítios eletrônicos, blogs da internet, arquivos pessoais e institucionais, entrevistas estruturadas e semiestruturadas com o compositor e outros músicos, assim como uma análise minuciosa do concerto foram realizados, na tentativa de responder às questões propostas. A análise realizada, a literatura e a técnica da clarineta contribuíram para a abordagem interpretativa do concerto, considerando sua unidade estrutural e composicional. Poucos são ainda os trabalhos que tratam de questões interpretativas de obras do repertório brasileiro para clarineta, por conseguinte, esta dissertação servirá como referência para o executante com interesse nesse concerto, podendo servir ainda como base de estudo para obras afins, contribuindo e ampliando a literatura sobre o assunto.
Acesso aberto (Open Access)
O coro cênico da Universidade da Amazônia: experienciando uma identidade a partir de um repertório musical
(Universidade Federal do Pará, 2015-06-26) BEZERRA, Joelma de Almeida e Silva; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
O objetivo principal desta pesquisa foi o de investigar a experiência de construção de uma “identidade”, a partir de um repertório musical do Coro Cênico da UNAMA, que originou a produção da série de CDs Trilhas D’Água, constituído de repertório musical de carimbós, lundus, cantos pastoris, cordões-de-bicho, bois, acalantos e canções, uma releitura do universo musical amazônico para a linguagem do canto-coral. Questões como de que forma a mudança no repertório musical contribuiu para a construção da “identidade” do grupo, as transformações observadas nos coristas quanto ao pensamento, o comportamento e o próprio som gerado, na comunidade acadêmica que o mantém, assim como no contexto cultural em que este grupo se insere são abordadas. A dissertação é estruturada em três seções. A primeira apresenta uma biografia contextualizada do Coro Cênico da UNAMA; a segunda descreve o processo de ensino e aprendizagem do grupo e, a prática musical é analisada na terceira, considerando a esfera social na qual o grupo se insere. São utilizadas fontes bibliográficas sobre mudança musical e identidade musical, à luz da etnomusicologia. Levantamento de dados disponíveis em blogs e sites sobre a prática coral foram realizados, assim como entrevistas “semiestruturadas” e “episódicas” com a comunidade acadêmica, alunos participantes do grupo, antigos alunos, reitor e pró-reitor da instituição, compositores e a regente, considerando a história oral recontada pelos agentes que constroem e executam a prática musical de alguma forma na universidade. Parte-se do princípio de que esses agentes são as pessoas que detém as bases e as concepções do que seja a prática musical na Universidade da Amazônia.
Acesso aberto (Open Access)
Uma escola a céu aberto: a transmissão de saberes no Instituto Arraial do Pavulagem
(Universidade Federal do Pará, 2023-06-19) FAÇANHA, Tainá Maria Magalhães; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
Nesta pesquisa detive meu olhar às práticas de transmissão musical no contexto do Instituto Arraial do Pavulagem – IAPav. Nas vivências formativas para preparação dos arrastões (cortejos de rua), que desembocam como um rio nas ruas de Belém-PA, é possível destacar a forma que as pessoas se relacionam transmitindo seus saberes e constroem processos de transmissão musical. Investigar a transmissão de saberes no Instituto Arraial do Pavulagem, considerando sua influência na construção de uma performance musical contemporânea constitui o objetivo geral desta pesquisa. Especificamente, meus objetivos foram compreender a prática musical do Instituto Arraial do Pavulagem a partir de narrativas de vida; verificar as formas que a transmissão de saberes que se multiplica no espaço das oficinas, ensaios e arrastões; e, por fim, discutir os modos de aprender e ensinar música no Instituto Arraial do Pavulagem apontando quais influências constituem os aspectos “pedagógicos” da transmissão musical. A tese se constitui a partir de uma pesquisa realizada em três momentos: em 2018 e 2019, com uma extensa pesquisa de campo que resultou em vasta coleta de dados em audiovisuais; em 2020 e 2021, a pesquisa de campo foi realizada de maneira virtual a partir do engajamento da comunidade nas mídias sociais do IAPav e nas lives do Arraial do Futuro que adequou os cortejos de rua ao virtual devido o distanciamento social necessário durante a pandemia da Covid-19; e, após o retorno presencial, em 2022, das atividades do grupo, que possibilitou uma experiência bem singular de retorno à “normalidade” e a realização das entrevistas que são parte do coração deste trabalho. Nesse sentido, esta tese possibilitou compreender que a transmissão musical no Arraial do Pavulagem se dá de maneira sistematizada nas oficinas, prioritariamente, a partir do engajamento das pessoas. A partir de dimensões vinculadas ao cotidiano das experiências dentro do instituto, seja nos diálogos com mestres, no compartilhamento de experiências com os colegas do Batalhão da Estrela, como na convivência das articulações dos fazedores de cultura que ali se constroem, seja nas ações políticas e/ou nas artísticas. Ainda, a transmissão se dá na própria performance durantes os arrastões e na fruição sonora nos shows e na experiência da audição das próprias músicas.
Acesso aberto (Open Access)
Estudos para violão: a utilização da música da tradição oral da Amazônia paraense para o desenvolvimento da técnica violonística
(Universidade Federal do Pará, 2013-06-25) BEZERRA, José Maria Carvalho; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
Este trabalho descreve o processo composicional de RITMOS DA AMAZÔNIA - Caderno virtual de estudos para violão. Elementos rítmicos presentes nas manifestações musicais da tradição oral da Amazônia paraense, após seleção e análise, foram utilizados como material pré-composicional para a criação de estudos para violão, adequados à resolução de problemas técnicos do instrumento. Com a introdução do violão no Brasil, e com a sua popularização, inserido na cultura popular de várias regiões, aonde a música apresenta certa “personalidade”, “originalidade” e “identidade”, este quase sempre tem a função de instrumento “acompanhante” do canto e, ainda assim, este acompanhamento apresenta nuances específicas de acordo com o gênero musical e com as características “idiomáticas” dos instrumentos envolvidos em uma determinada manifestação musical. O objetivo principal desta pesquisa foi descrever a utilização dos ritmos selecionados na criação da série RITMOS DA AMAZÔNIA e as habilidades propostas por esses estudos para resolução de problemas técnicos. São ainda abordadas questões sobre a entrada do violão no Brasil e sua difusão, inclusive na região Norte; informações sobre os ritmos selecionados, assim como das manifestações em que são encontrados; sobre técnica violonística e as habilidades propostas pelos estudos.
Acesso aberto (Open Access)
O Guitarrar Local: uma prática musical para além da Amazônia paraense
(Universidade Federal do Pará, 2023-07-07) CARAVEO, Saulo Christ; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
A prática da Guitarrada é aqui investigada considerando a configuração de estruturas sociais, políticas, culturais e sua instauração enquanto gênero musical fundador de memória e identidade no Pará. As amplas transformações decorrentes dos processos de modernização e globalização ocorridas entre o advento da Lambada e a consolidação da Guitarrada, submersas em uma Indústria de Entretenimento capitalista, reconfiguraram espaços e dinâmicas sociais, bem como a forma de consumir, fazer e produzir música, promovendo o redimensionamento historiográfico na memória e na forma como são constituídas as identidades culturais na Amazônia Paraense. Assim, tais manifestações socioculturais transcorridas nestes cenários impactaram na criação e difusão do gênero Guitarrada, sendo este o resultado de transformações paradigmáticas representativas das identidades desse gênero musical. Considerando cultura (HALL, 2011; CANCLINI, 2015), memória (HALBWACHS, 2006; CANDAU, 2012) e música (CARAVEO, 2019a, 2019b; CHADA, 2007; MENDÍVIL, 2013, 2015 e 2022; MUKUNA, 2008; NETTL, 2005; SEEGER, 2008; SMALL, 1998) como sistemas relacionados, vislumbro a tese que versa sobre as mudanças e novas identidades musicais na Amazônia, enfocando, principalmente, as Guitarradas do Pará. A Região Amazônica, com seu multiculturalismo espaço-temporal de práticas musicais diversas, necessita de investigações musicais profundas que apontem para a fusão cultural histórica, considerando, todavia, desdobramentos, perspectivas e olhares particulares que apresentem novos diagnósticos diante dos contextos que se apresentam de forma indissolúvel na atualidade. Investigar as práticas musicais das guitarradas no Pará observando sob quais perspectivas as mudanças sociais, em âmbito global e local, afetaram a produção musical, alterando processos culturais simbólicos e determinando a constituição de identidades, foi o objetivo principal desta proposta. Os objetivos específicos foram: descrever os procedimentos etnográficos realizados ao longo da pesquisa, identificando as transformações sociais amplas e particulares que possibilitaram descrições e interpretações de fenômenos musicais que apontaram a guitarrada como uma prática musical contemporânea no Pará – o Guitarrar Local. Analisar a discografia de Mestre Vieira e propor uma descrição contextual que revelou o comportamento e os direcionamentos impostos pela Indústria de Entretenimento e seu impacto na obra de Mestre Vieira ao longo de sua produção. Assinalar aspectos inerentes aos processos de modernização e globalização que apontaram cenas e dinâmicas semelhantes que comungaram com a constituição de identidades e, portanto, sob os aspectos das mudanças musicais e transformações culturais, sinalizaram casos de hand-over. Além da revisão da literatura existente sobre o tema e dos estudos bibliográficos referentes aos assuntos históricos e culturais, sob a luz da etnomusicologia, fez-se uma descrição etnográfica dos contextos atuais nos quais a prática da Guitarrada se dinamiza e entrevistas semiestruturadas que possibilitaram a fundamentação de argumentos analíticos e análises musicais da produção fonográfica de Mestre Vieira. O período de abrangência desta pesquisa compreende o período entre os anos de 1950, período importante do pós-guerra no mundo e, 2023, ano de conclusão da tese. Considerando as análises realizadas até o momento, confirmou-se a tese de que a Guitarrada, ao se emancipar da Lambada por meio de Hand-over, se configura em uma prática musical moderna, independente, de identidade estética própria, que determina mudanças musicais, culturais e novas perspectivas para a memória, cultura, política e música na Amazônia brasileira.
Acesso aberto (Open Access)
Minha viola é de buriti: uma etnomusicologia aplicada-participativa-engajada sobre a musicalidade no quilombo Mumbuca, no Jalapão (TO)
(Universidade Federal do Pará, 2019-06-25) BONILLA, Marcus Facchin; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
Esta tese é resultado de uma pesquisa em Etnomusicologia Aplicada, uma pesquisa participante nos termos de Brandão (1999). O trabalho buscou, dentro de interesses comuns entre pesquisador-pesquisados, investigar a musicalidade e a Viola de Buriti produzida no quilombo do Mumbuca, localizado na região do Jalapão, no Estado do Tocantins. Entre as ações desenvolvidas, trabalhou-se para a viabilização do registro da Viola de Buriti como Patrimônio Imaterial junto ao Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN). Para tanto, foi produzido um inventário participativo com metodologia do IPHAN (2016) e um documentário audiovisual. Também como demanda do quilombo, foi criado um Caderno de Partituras com a transcrição das canções do quilombo e a produção de textos acadêmicos de escrita coletiva, envolvendo um grupo de pesquisadoras desse quilombo. A participação em editais de fomento à cultura que beneficiaram os sujeitos envolvidos foi outra ação que fez parte deste trabalho. A pesquisa foi inter e transdisciplinar, envolvendo a grande área das Artes, incluindo a Etnomusicologia e a Educação do Campo, área que fundamentou a metodologia adotada baseada nos princípios freirianos. A fundamentação teórica principal da tese foi a poética do próprio quilombo, considerando a indissociabilidade entre o intelecto e a sensibilidade (MAFFESOLI, 1998) - as músicas serviram de guia para a escrita do trabalho. Também nesse sentido, optou-se pela autoetnografia, baseando-se em Fortin (2009) e Aschieri (2018) como ferramenta de campo e na reflexão sobre os dados coletados. Além dos resultados para a comunidade, foi possível compreender que a musicalidade do quilombo possui aspectos que refletem uma resistência ao pensamento musical hegemônico, como do uso de estruturas modais, corporais e também no modo de pensar, como no tipo de raciocínio que classifiquei como intelorgânica musical, uma espécie de pensamento orgânico que imbrica necessidades estéticas com recursos naturais.
Acesso aberto (Open Access)
A música na educação de jovens e adultos - EJA: considerações sobre a construção do gosto musical
(Universidade Federal do Pará, 2017) HENDERSON, Jucélia Estumano; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
Este trabalho aborda questões relacionadas ao ensino de música na modalidade de Educação de Jovens e Adultos – EJA, de uma escola pública em Belém do Pará. O objetivo principal deste trabalho foi investigar como é construído o gosto musical dos discentes da modalidade EJA, da Escola Estadual de Ensino Fundamental Professor Waldemar Ribeiro. Os objetivos específicos foram: contextualizar o ensino de arte/música no Estado do Pará, considerando a sua localização na Região Norte do Brasil, voltado principalmente aos discentes da modalidade EJA; identificar os elementos que auxiliam na construção do gosto musical dos discentes da modalidade EJA; identificar como o gosto musical dos discentes da modalidade EJA é externado no cotidiano e, por fim, refletir sobre o gosto musical considerando os relatos dos discentes da EJA e a literatura consultada sobre o assunto. O trabalho seguiu orientações teóricas do campo da Sociologia, em conexões com o campo da Educação Musical, os autores utilizados para dialogar sobre o gosto musical foram: Quadros Jr e Lourenço (2003, 2010 e 2013), Monteiro (2008), Hennion (2011), Tinhorão (2001) e Pierre Bourdieu (2007). Para tratar sobre educação musical e cotidiano, chamamos: Souza (2002, 2004, 2008, 2007), Penna (2003 e 2010) entre outros. Para dialogar sobre a teoria do habitus híbrido: Setton (2002a, 2002b, 2009, 2010, 2011, 2012 e 2016) e Bernard Lahire (2006). Sobre a teoria da hibridação Canclini (2015). Sobre EJA: Dias, Oliveira e Mota Neto (2013), Paiva (1973), Di Pierro; Haddad (2000). A coleta de dados foi por meio de entrevistas semiestruturadas com estudantes da EJA da 3ª etapa do Ensino Fundamental, 4ª etapa do Ensino Fundamental, 1ª etapa do Ensino Médio e 2ª etapa do Ensino Médio, matriculados no ano de 2107. Os resultados obtidos apontam que as instâncias tradicionais família e religião continuam sendo dispositivos potentes no processo de construção do gosto musical e a escola, apesar de ser considerada uma instância tradicional, não se destacou como dispositivo potente na influência da construção do gosto musical, a falta de destaque pode estar atrelada a ausência do conteúdo musical no currículo da escola e na falta do envolvimento das práticas culturais desenvolvidas na escola. Identificamos que a mídia, não sendo considerada uma instância tradicional, vem ocupando presença marcante na construção do gosto musical dos estudantes da EJA.
Acesso aberto (Open Access)
Música no palco: ansiedade de performance musical em estudantes de música em Belém do Pará
(Universidade Federal do Pará, 2013-06-21) MIRANDA, Jonathan Guimarães e; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134; ROCHA, Sérgio de Figueiredo; http://lattes.cnpq.br/4236379426483362
Ansiedade de Performance Musical (APM) é reconhecida como uma desordem classificável como uma variante da Fobia Social de acordo com o DSM-IV (APA, 1994). É caracterizada por manifestações físicas, cognitivas e comportamentais relacionadas à performance e pode atingir músicos de todas as idades e níveis. Poucos estudos têm investigado a APM em estudantes de música brasileiros e nenhum deles foi realizado no norte do Brasil. O presente estudo investigou a ocorrência de APM entre os estudantes dos cursos técnicos de música do Instituto Estadual Carlos Gomes (IECG) e da Escola de Música da Universidade Federal do Pará (EMUFPA), e do curso de Bacharelado em Música da Universidade do Estado do Pará/Fundação Carlos Gomes, todos situados em Belém. Os dados foram coletados através da Escala K-MPAI, devidamente validada para a língua portuguesa, a qual é composta por 40 questões, alcançando uma pontuação máxima de 240. Quanto maior a pontuação, maior o nível de ansiedade. A amostra contou com um total de 128 alunos, sendo 89 homens e 39 mulheres, com idade entre 18-47 anos. Um questionário complementar investigou as manifestações mais frequentemente associadas à ansiedade de performance e questões relacionadas as oportunidades locais para apresentações públicas para os músicos. A análise estatística foi realizada através do SPSS. Os resultados mostraram que a pontuação mínima no K-MPAI foi de 26 e a máxima de 208. As mulheres tiveram maior média na pontuação (124,4 ± 33,8) que os homens (98,5 ± 32,3) e não houve diferenças nos escores K-MPAI médios quando se comparou diferentes classes de instrumentos (madeiras, metais, cordas, violão, canto, piano e percussão) ou grupos etários (<20, 21-30, 31-40, >40 anos). Comparações entre os alunos dos três diferentes cursos de música mostraram que o escore K-MPAI médio dos estudantes da EMUFPA foi menor do que os do IECG, indicando que este grupo pode apresentar mais problemas de ansiedade. A manifestação cognitiva mais citada (por 49,2% dos alunos) foi "a preocupação do que as pessoas estão pensando sobre mim". A grande maioria dos alunos (96,1%) manifestou o desejo de realizar mais apresentações públicas; eles (86%) também acham que esta prática ajuda a diminuir a ansiedade. Este é o primeiro estudo sobre o tema realizado localmente. A pesquisa mostrou que muitos estudantes de escolas de música em Belém sofrem de considerável ansiedade associada à performance musical, e que as mulheres tendem a ser mais ansiosas do que os homens. As causas subjacentes à ansiedade precisam ser investigadas e os resultados obtidos fornecem dados iniciais para o desenvolvimento de novas metodologias de ensino, para incentivar a discussão sobre o problema e estimular a busca de medidas eficazes que poderiam minimizar as manifestações de ansiedade em estudantes de música.
Acesso aberto (Open Access)
A música nos rituais de cura do Santo Daime
(Universidade Federal do Pará, 2012-02-29) FERRO, Kelem Carla Alves; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
Este trabalho descreve e analisa a prática musical nos rituais de cura do Santo Daime apontando a relevância destes rituais enquanto prática religiosa neste contexto. As cerimônias realizadas na igreja Céu da Mãe Divina, localizada no km 6 da estrada do Taiassuí, município de Benevides, área metropolitana de Belém do Pará, servem de reflexão e análise para esta pesquisa. Nos rituais de cura, relação musical e religiosa, o pensamento religioso se mostra capaz de determinar as etapas da concepção musical desde a recepção, transmissão até a execução dos hinários. Os diversos aspectos da prática musical, que se apresenta na forma de conhecimento e fundamento religioso, são analisados aqui à luz da etnomusicologia.
Acesso aberto (Open Access)
A nascente de um rio e outros cursos: a guitarrada de Mestre Vieira
(Universidade Federal do Pará, 2019-02-25) CARAVEO, Saulo Christ; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
A prática musical de Mestre Vieira é aqui investigada considerando a instauração de uma nova poética na musicalidade local que remodela novas perspectivas para a prática da guitarra elétrica na Amazônia. Como se enredou o trajeto antropológico de Joaquim de Lima Vieira na Música Popular Paraense? O ato de transcriacionalidade de Mestre Vieira que resultou na invenção do gênero musical guitarrada constituiu um processo de hibridação cultural e de transacionalidade? Que tipo de análise musical pode ser realizada em obras de Mestre Vieira objetivando informações comparativas e particulares que nos permita justificar a guitarrada enquanto gênero musical? Além da leitura da produção bibliográfica sobre o assunto, fez-se uma descrição etnográfica do contexto local e global em que se produziu Mestre Vieira, assim como entrevistas semiestruturadas que auxiliaram na composição dos argumentos analíticos. O período de abrangência compreendeu os anos de 1934, ano de nascimento de Joaquim de Lima Vieira, e 2019, ano de conclusão da dissertação. Confirmou-se a hipótese/tese de que Vieira se produziu enquanto músico mediante ato criativo, e assim agindo, a partir de seu trajeto antropológico, concebeu uma nova poética na musicalidade que se projetou de Barcarena para Belém, para o Pará, para a Amazônia, para o Brasil e o Mundo, uma vez que, a partir do que chamo de convergências híbrido-transacionais entre contextos culturais, transcriacionou o gênero musical guitarrada, embrionando novas perspectivas para a música, para a prática da guitarra elétrica e para o imaginário da cultura musical amazônica.
Acesso aberto (Open Access)
A prática musical do Vominê na festa de São Tiago em Mazagão Velho - AP
(Universidade Federal do Pará, 2017-07-29) SMITH, Ricardo Augusto Ferreira; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
Esta pesquisa problematiza aspectos da prática musical chamada Vominê que integra a Festa de São Tiago, em Mazagão Velho – AP. A festividade dedicada a São Tiago é uma prática secular que acontece anualmente, sendo o Vominê, espécie de celebração da vitória ou exaltação à bravura, parte integrante do festejo. Investigar a prática musical do Vominê, considerando a maneira como esta opera em suas estruturas tanto musicais quanto sociais em seu contexto foi o nosso objetivo principal. Tendo como suporte as perspectivas teóricas da etnomusicologia, discutimos sobre as potencialidades representativas dessa prática musical em relação aos indivíduos que dela tomam parte, considerando a revisão da literatura consultada, a observação direta da realidade, e a análise cultural da prática musical como proposta por Chada, Blacking, Seeger e Geertz.
Acesso aberto (Open Access)
A presença da cultura afro-brasileira na música de Waldemar Henrique
(Universidade Federal do Pará, 2016-06-29) SILVA, Edson Santos da; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
Waldemar Henrique compôs diversas canções, peças para piano solo, coro, orquestra, músicas para novela, teatro e filmes inspirados no folclore amazônico, indígena, nordestino e nas representações das crenças e dos hábitos das populações afrodescendentes na Amazônia e no Brasil. A presença da cultura afro-brasileira na obra de Waldemar Henrique pode ser percebida pela simples observação das letras, ritmos e gêneros utilizados em diversas de suas obras. Investigar os fatores que contribuíram para a presença da cultura afro-brasileira na obra deste compositor foi o objetivo principal desta pesquisa. Os objetivos específicos foram: fornecer informações contextualizadas sobre Waldemar Henrique; verificar como o compositor aborda a temática afro-brasileira em suas composições e, descrever e analizar as composições denominadas de “Pontos Rituais”. Para isso, foi necessária a busca de informações contextualizadas sobre a vida e a obra do compositor, verificando sua relação com pessoas ligadas a cultura afro-brasileira, e a análise de sua obra. Nosso ponto de partida foi a revisão da bibliografia disponível, tendo como referência o catálogo de suas obras publicado por Claver Filho (1978) e Miranda (1978), assim como foram consideradas as questões propostas por Béhague (1992), Durand (2001) e Blacking (2000), entre outras, a investigação das dimensões socioculturais e estético-ideológicas no estudo de um compositor, para a compreensão da sua produção musical. Diante da carência de escritos sobre o assunto em tela foram realizadas coletas de dados em campo em forma de entrevistas semiestruturadas e “episódicas”, com personalidades musicais relacionadas ao maestro, que estudaram e analisaram suas obras. A partir dos resultados obtidos, é proposta uma classificação para as obras inspiradas ou que apresentam temas relacionados à temática afro-brasileira em três categorias e um catálogo atualizado da obra do compositor.
Acesso aberto (Open Access)
O projeto Choro do Pará: prática e transmissão musical
(Universidade Federal do Pará, 2018-06-27) KAHWAGE, José Jacinto da Costa; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
O Projeto Choro do Pará tem como proposta difundir e incentivar a prática do Choro, atraindo jovens músicos de diversas faixas etárias e classes sociais e estimulando a formação de novos grupos. Nesse contexto, os processos e situações de transmissão de música ocorrem de diferentes formas e são (re)modelados e (re)definidos, em sua concepção e aplicação, por meio de oficinas coletivas — de instrumentos de cordas, de sopro e de percussão — que culminam na apresentação dos resultados em concertos da Orquestra Choro do Pará. O repertório utilizado na prática musical inclui desde composições já consagradas do gênero a obras inéditas de artistas paraenses, de modo a valorizar e divulgar a produção local. Investigar a prática e a transmissão de música no Projeto Choro do Pará, utilizando o enfoque de autores como Nettl (2010), Blacking (2007) e Merriam (1964) foi o objetivo principal deste trabalho. Tencionamos, especificamente: a) Traçar o percurso histórico do Choro, no intuito de compreender os processos que culminaram na atual configuração da prática deste gênero no Pará; b) Examinar, por meio de entrevistas e pesquisas de campo, os métodos de transmissão musical praticados durante as oficinas do Projeto Choro do Pará; c) Verificar, por meio de entrevistas e pesquisas de campo, o processo de construção dos arranjos musicais executados pela Orquestra Choro do Pará; e d) Averiguar se o Choro paraense apresenta características que o diferem do Choro produzido em outros Estados do Brasil. Para tanto, fizemos o levantamento de fontes bibliográficas pertinentes e realizamos entrevistas semiestruturadas com participantes do Projeto e músicos locais. Nossas entrevistas com personagens ligadas ao Projeto Choro do Pará se enquadram no escopo da pesquisa qualitativa, no que se denomina “entrevistas do tipo semiestruturado com um único respondente”, ao qual Bauer e Gaskel (2002, p.64-65) também se referem como “entrevista em profundidade”. O espectro dos pontos de vista sobre os temas de nosso interesse reúne depoimentos: do coordenador do Choro do Pará, Paulinho Moura; dos cinco facilitadores, Carlos “Buchecha”, Claude Lago, Diego Santos, Emílio Meninéa e Iva Rothe; de dois compositores cujas obras se fazem presentes em vários módulos das oficinas, Luiz Pardal e Adamor do Bandolim; de quatro participantes do Projeto; de duas ex-participantes; e, também, de personalidades cujas trajetórias perpassam a narrativa do movimento do Choro no Estado do Pará. Nossa análise envolve significados e saberes, reconhecendo que a prática musical é um reflexo da vida em sociedade e transmite valores singulares, frutos de fontes e experiências distintas.
Acesso aberto (Open Access)
O projeto Pará Caribe: uma prática musical no contexto da Fundação Cultural do Pará
(Universidade Federal do Pará, 2020-12-18) ROTHE-NEVES, Iva; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
A pesquisa aqui apresentada se volta à prática musical – expressão ora adotada em termos conceituais - no contexto do Projeto Pará Caribe, realizado em Belém pela Fundação Cultural do Pará de 2015 a 2017. Investigar a prática musical no contexto do Projeto Pará Caribe da Fundação Cultural do Pará foi o objetivo principal desta proposta. Os específicos foram: fornecer informações contextualizadas sobre o Projeto Pará Caribe; expor os processos de transmissão musical e descrever as práticas musicais no Projeto Pará Caribe, com atenção à relação entre os processos de composição musical e performance naquele contexto. Implementou-se, assim, pesquisa bibliográfica sobre prática e transmissão musical, à luz da Etnomusicologia, buscando também fundamentação teórico-metodológica em especial na Educação Musical, mas também na Antropologia, na Sociologia, nos Estudos Latinoamericanos, na Cultura Indígena, na História, na Orientação Profissional e no Direito Autoral. Desse modo, a pesquisa se referência em autores como Sonia Chada (2006; 2007), Alan Merriam (1964), Anthony Seeger (1991; 1997), Bruno Nettl (1983; 1992), Gerard Béhague (1992), Mauricio Costa e Sonia Chada (2013), Paul Sneed (2020), Luciana Prass (2019), Jusamara Souza (2004), Margarete Arroyo (2002), Keith Swanwick (1991), Agenor Vasconcelos Neto (2013; 2020; 2021), Pierre Bourdieu (2007), João de Jesus Paes Loureiro (2002; 2008; 2018; 2020a; 2020b), Bibiana Rosa (2018), Timei Assurini (2020), Ana Lucia Bastos (2020), Pedro Paranaguá e Sérgio Branco (2009), em uma linha de pesquisa que se assenta em interfaces epistêmicas entre áreas do conhecimento. Realizaram-se entrevistas semi-estruturadas com alunos, professores, dançarina e diretora coreográfica do projeto. A análise de dados realizada levou em conta dimensões sintáticas e semânticas tanto das entrevistas quanto das letras e músicas criadas em sala pelos alunos e registradas em estúdio, shows e ensaios. Tais procedimentos permitiram que a forma e o conteúdo do material analisado fossem passíveis de interpretação, considerando-se aspectos históricos, musicais, contextuais e cognitivos da prática musical em questão. Os processos criativos e seu fazer musical conjunto com a performance, bem como os resultados alcançados no projeto - onze músicas gravadas e dezoito shows realizados entre o laboratório de criação musical e a mixagem do fonograma Pará Caribe -, instigaram a pesquisa aqui apresentada. O trabalho resulta na presente dissertação, tendo como anexos as partituras e um CD com duas das músicas produzidas pelos alunos durante o projeto, as quais foram aqui analisadas. Entender contextos nos quais criação musical e performance são possíveis porque concomitantes, disponibilizou uma chave importante de compreensão do processo criativo no Projeto Pará Caribe. Além disso, conclui-se que o estudo de práticas musicais em Belém, no Pará, contribui para o entendimento de como tais práticas formam, constroem ou influenciam as noções de identidades sonoras na Amazônia brasileira, ao compartilharem subjetividades coletivas transformadas e (re)construídas para além do contexto dos estados nacionais, uma realidade presente na América Latina e no Caribe como um todo.
Acesso aberto (Open Access)
Todos juntos o louvemos: o canto congregacional na Assembleia de Deus, em Viseu-PA
(Universidade Federal do Pará, 2019-06-24) QUADROS, Diego Oliveira; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
O canto congregacional na Igreja Assembleia de Deus, em Viseu – Pará, é um momento de união entre os fiéis que proclamam a sua fé através da música como um grande coral em uma só voz. O presente trabalho consiste em uma etnografia musical da Assembleia de Deus em Viseu PA, objetivando descrever a prática do canto congregacional na referida Igreja, fornecendo informações contextualizadas sobre o segmento, suas doutrinas, crenças e características culturais; analisando os distintos repertórios musicais considerando suas funções no culto e nas diversas cerimônias e, ainda, verificando os efeitos que esta prática causa nos coristas que são os próprios fiéis. Para responder as perguntas propostas foi realizada a revisão da literatura sobre o assunto e a coleta de dados em campo através de observações e entrevistas semiestruturadas. Neste contexto, a prática musical é um agente facilitador, um veículo que aproxima os crentes de Deus, através da adoração, transcendendo o campo físico.
Acesso aberto (Open Access)
Wilson Fonseca: crendices e lendas amazônicas para canto e piano
(Universidade Federal do Pará, 2012-02-08) AZULAY , Humberto Valente; CHADA, Sonia Maria Moraes; http://lattes.cnpq.br/1004865944722134
O presente trabalho fala sobre Wilson Fonseca, um dos compositores mais importantes da nossa região amazônica, devido a sua trajetória e dedicação de uma vida inteira a favor da música e da nossa cultura, sendo uma referência não somente no campo musical, mas também na memória e resgate da história e cultura santarena. Crendices e lendas amazônicas para canto e piano, temática abordada nessa pesquisa, é apenas uma das várias faces a qual o autor retratou em sua extensa produção musical.